manga(Japonés: 漫画, マンガ, ˈmɑŋgə) g., skl.- Cómics japoneses, a veces llamados cómico(コミック). El manga, en la forma en que existe actualmente, comenzó a desarrollarse después del final de la Segunda Guerra Mundial, estando fuertemente influenciado por la tradición occidental, pero con profundas raíces en el arte japonés anterior.
En Japón, el manga es leído por personas de todas las edades, es respetado como una forma de bellas artes y como un fenómeno literario, por lo que hay muchas obras de una amplia variedad de géneros y sobre una amplia variedad de temas: aventuras, romance. , deportes, historia, humor, ciencia ficción, terror, erótica, negocios y otros. Desde la década de 1950, el manga se ha convertido en una importante industria editorial japonesa, con unas ventas de 500 millones de dólares en 2006. Se ha vuelto popular en el resto del mundo, especialmente en los Estados Unidos, donde las ventas en 2006 oscilaron entre 175 y 200 millones de dólares. Casi todo el manga está dibujado y publicado en blanco y negro, aunque también hay color, por ejemplo, "Colorful", cuyo nombre se traduce del inglés como "colorful". El manga popular, generalmente series de manga largas (a veces sin terminar), se convierte en anime. El guión de las adaptaciones cinematográficas puede sufrir algunos cambios: se suavizan escenas de peleas y peleas, si las hay, y se eliminan escenas demasiado explícitas. El artista que dibuja manga se llama mangaka y, a menudo, también es el autor del guión. Si la escritura del guión la realiza un individuo, entonces dicho guionista se llama gensakusha (o, más precisamente, manga-gensakusha). Sucede que un manga se crea a partir de un anime o una película ya existente, por ejemplo, basada en Star Wars. Sin embargo, el anime y la cultura "otaku" no habrían surgido sin el manga, porque pocos productores están dispuestos a invertir tiempo y dinero en un proyecto que no ha demostrado su popularidad dando sus frutos en forma de cómic.
Etimología
La palabra "manga" significa literalmente "grotescas", "imágenes extrañas (o divertidas)". Este término surgió a finales del siglo XVIII y principios del XIX con la publicación de obras de los artistas Kankei Suzuki Mankai Zuihitsu (1771), Santo Kyoden Shiji no Yukikai (1798), Minwa Aikawa Manga Hyakujo (1814) y en las famosas estampas de Katsushika Hokusai. , que publicó una serie de álbumes ilustrados “Hokusai Manga” (“Dibujos de Hokusai”) en 1814-1834. Se cree que el significado moderno de la palabra fue introducido por el mangaka Rakuten Kitazawa. Existe un debate sobre si es aceptable utilizarlo en ruso en plural. Inicialmente, el portal de referencia Gramota.ru no recomendaba la declinación de la palabra "manga", pero recientemente señaló que "a juzgar por la práctica de su uso, actúa como un sustantivo de declinación".
Fuera de Japón, el concepto de “manga” se asocia inicialmente con los cómics publicados en Japón. De una forma u otra, el manga y sus derivados, además de las obras originales, existen en otras partes del mundo, en particular en Taiwán, Corea del Sur, China, especialmente Hong Kong, y se denominan manhwa y manhua, respectivamente. Los nombres son similares porque en los tres idiomas esta palabra se escribe con los mismos jeroglíficos. En Francia, la nouvelle manga (nuevo manga francés) es una forma de cómic influenciada por el manga japonés. Los cómics manga elaborados en Estados Unidos se llaman "Amerimanga" u OEL, del inglés. manga original en inglés- “manga de origen inglés”.
Historia
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La primera mención de la creación de historias en imágenes en Japón se remonta al siglo XII, cuando el monje budista Toba (otro nombre es Kakuyu) dibujó cuatro historias humorísticas que contaban sobre animales que representaban personas y sobre monjes budistas que violaban las reglas. Estas historias, "Chojugiga", eran cuatro rollos de papel con dibujos a tinta y leyendas. Actualmente se conservan en el monasterio donde vivió Toba. Las técnicas que utilizó en sus obras sentaron las bases del manga moderno, como la representación de piernas humanas corriendo.
A medida que el manga se desarrolló, absorbió las tradiciones del ukiyo-e y las técnicas occidentales. Después de la Restauración Meiji, cuando cayó el Telón de Acero japonés y comenzó la modernización del país, los artistas también comenzaron a aprender de sus colegas extranjeros las características de composición, proporciones y color, cosas a las que no se les prestaba atención en el ukiyo-e, desde el El significado y la idea del dibujo se consideraron más importantes que la forma. En el período 1900-1940, el manga no desempeñaba el papel de un fenómeno social importante, sino más bien uno de los pasatiempos de moda entre los jóvenes. El manga en su forma moderna comenzó a surgir durante y especialmente después de la Segunda Guerra Mundial. El desarrollo del manga estuvo muy influenciado por la caricatura europea y los cómics estadounidenses, que se hicieron famosos en Japón en la segunda mitad del siglo XIX.
Durante la guerra, el manga tenía fines propagandísticos y se imprimía en buen papel y en color. Su publicación fue financiada por el estado (extraoficialmente se llama “Manga de Tokio”). Después del final de la guerra, cuando el país estaba en ruinas, fue reemplazado por el llamado. Manga “Osaka”, publicado en el papel más barato y vendido por casi nada. Fue en esta época, en 1947, cuando Osamu Tezuka lanzó su manga “Shin Takarajima” (japonés: 新宝島, “Nueva isla del tesoro”), que vendió la fantástica cifra de 400.000 copias para un país completamente devastado. Con esta obra, Tezuka definió muchos de los componentes estilísticos del manga en su forma moderna. Fue el primero en utilizar efectos de sonido, primeros planos y gráficos que enfatizan el movimiento en el encuadre; en una palabra, todas esas técnicas gráficas sin las cuales el manga moderno es impensable. "New Treasure Island" y el posterior "Astro Boy" se hicieron increíblemente populares. Durante su vida, Tezuka creó muchas más obras, adquirió estudiantes y seguidores que desarrollaron sus ideas e hizo del manga una dirección completa (si no la principal) de la cultura de masas.
Actualmente, casi toda la población de Japón se siente atraída por el mundo del manga. Existe como parte de la prensa. La circulación de obras populares - "One Piece" y "Naruto" - es comparable a la circulación de los libros de Harry Potter, sin embargo, siguen disminuyendo. Entre las razones por las que los japoneses comenzaron a leer menos manga se encuentran el envejecimiento de la sociedad y la caída de la tasa de natalidad en Japón, así como los editores que, en los años 1980 y 1990, tratando de mantener la misma audiencia y centrándose en los lectores adultos, no estaban interesados. para atraer a los jóvenes. Hoy en día, los niños pasan más tiempo jugando a juegos de ordenador que leyendo. En este sentido, los editores empiezan a centrarse en las exportaciones a Estados Unidos y Europa. El ex primer ministro Taro Aso, aficionado al manga y al anime, cree que el manga es una de las formas de sacar al país de la crisis económica y mejorar su imagen en el escenario mundial. "Al convertir la popularidad del poder blando japonés en un negocio, podemos crear una industria colosal valorada entre 20 y 30 billones de yenes para 2020 y emplear a unas 500.000 personas más", dijo Taro Aso en abril de 2009.
Publicación
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El manga representa aproximadamente una cuarta parte de todo el material impreso publicado en Japón. La gran mayoría se publica primero en revistas gruesas (de 200 a mil páginas), de las cuales hay más de cien, y las series de manga populares se vuelven a publicar más tarde en el forma de volúmenes separados, el llamado tankobon.
La principal clasificación del manga (en cualquier formato) es el género del público objetivo, por lo que las ediciones para jóvenes y para niñas suelen distinguirse fácilmente por su portada y están ubicadas en diferentes estanterías de las librerías. Cada volumen está marcado: "para niños de seis años", "para niños de secundaria", "para leer mientras viaja". También hay departamentos de “manga de una sola vez”: compras a mitad de precio, después de leer, devuelves por una cuarta parte del importe.
También son comunes en Japón los cafés manga (japonés: 漫画喫茶, マンガ喫茶 beso manga), donde puedes tomar té o café y leer manga. El pago suele ser por horas: una hora cuesta una media de 400 yenes. En algunos cafés la gente puede pasar la noche pagando una tarifa.
Revistas
Hay muchas menos revistas de anime en comparación con revistas de manga. Casi todas las editoriales importantes de Japón publican revistas manga. La primera revista manga, Eshinbun Nipponchi, se creó en 1874. La mayoría de publicaciones, como Shonen Sunday o Shonen Jump, se publican semanalmente, pero también las hay mensuales, como Zero Sum. En el lenguaje común, estas revistas se denominan "guías telefónicas", ya que son muy similares tanto en formato como en calidad de impresión. Publican simultáneamente varias (alrededor de una docena) series manga, un capítulo (alrededor de 30 páginas) en cada número. Además de las series, las revistas también publican “singles” (mangas que constan de un capítulo, one-shot en inglés) y yonkoma de cuatro fotogramas. Las revistas, según su enfoque, como el manga en sí, se dividen en muchas categorías según la edad y el género; por ejemplo, hay revistas con manga para niños y niñas, para hombres y mujeres, para niños. Las más populares son las juveniles Shonen Jump y Shonen Magazine, que publican 2,8 millones de copias y 1,7 millones de copias respectivamente. Y en 1995, Shonen Jump vendió 6 millones de copias.
Las revistas utilizan papel de baja calidad, por lo que es habitual pintar páginas en blanco y negro con diferentes colores: amarillo, rosa. A través de revistas, los creadores de manga tuvieron la oportunidad de mostrar su trabajo. Sin ellos, el mangaka no existiría, afirma el crítico Haruyuki Nakano.
tankobón
Tankobon (japonés: 単行本 Tanko:bon) metro., skl. - en Japón, formato de publicación de libros. Tankobon suele ser un libro independiente (es decir, que no forma parte de una serie). Por lo general (aunque no siempre) se publica en tapa dura.
Cuando se aplica a novelas ligeras y manga, el término tankōbon también se puede utilizar para referirse a libros publicados en una serie. En este caso, estos libros se denominan "tankobon" (es decir, "libro independiente"), en contraste con la publicación de novelas ligeras o manga en revistas. Estos tankobons tienen entre 200 y 300 páginas, son del tamaño de un libro de bolsillo normal, tienen una tapa blanda, papel de mayor calidad que el de las revistas y también están equipados con una sobrecubierta. Hay tanto manga que se lanzaron inmediatamente en forma de tankobons como aquellos que nunca se lanzaron en forma de volúmenes. El manga más exitoso se lanza en forma de aizōban (japonés: 愛蔵版 aizo: prohibición) es una edición especial para coleccionistas. Los Aizobans se publican en ediciones limitadas, en papel de alta calidad y se entregan con extras adicionales: un estuche, una portada diferente, páginas en color, etc.
doujinshi
Doujinshi (japonés: 同人誌 a:jinshi) es un término japonés para revistas literarias sin fines de lucro autoeditadas por sus autores. Abreviatura de doujinzashi (japonés: 同人雑誌 hacer: jin zasshi). El término dōjinshi en sí proviene de las palabras dōjin (同人, “de ideas afines”) y shi (誌, “diario”). Usado originalmente en relación con la literatura junbungaku. En las últimas décadas, se ha extendido al manga y otras manifestaciones de la cultura juvenil de masas japonesa.
Ficción
Se considera que la pionera entre los dōjinshi es la revista pública “Morning Bell” (明六雑誌), publicada a principios de la era Meiji (desde 1874). Aunque en realidad no es una revista literaria, jugó un papel importante en la difusión del modelo doujinshi. El primer dōjinshi que publicó ficción fue la Biblioteca de artículos diversos (我楽多文庫, más tarde simplemente "La biblioteca"), creada en 1885 por los escritores Ozaki Koyo y Yamada Biyo. El doujinshi White Birch (1910-1923), cuyos orígenes fueron Saneatsu Musyanokoji, Naoya Shiga, Takeo Arishima y otros escritores destacados, tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la literatura japonesa del siglo XX. Los doujinshi literarios experimentaron su apogeo al comienzo de la era Showa, convirtiéndose de hecho en tribunos de todos los jóvenes con orientación creativa de esa época. Los dōjinshi, creados y distribuidos, por regla general, en un círculo estrecho de autores cercanos entre sí, contribuyeron al surgimiento y desarrollo del género (pseudo)confesional del shishōsetsu, fundamental para la tradición literaria japonesa moderna. En los años de la posguerra, los doujinshi, como revistas que representaban determinadas escuelas literarias y descubrían autores originales, cayeron gradualmente en declive, siendo reemplazadas por revistas literarias gruesas (Gundzo, Bungakukai, etc.). Entre las pocas excepciones importantes se encuentra el dōjinshi "Capital literaria" (文芸首都), publicado entre 1933 y 1969. Algunos doujinshi han mantenido su existencia uniéndose a importantes revistas literarias y publicándose con su apoyo. Los doujinshi poéticos de autores de haiku y tanka todavía se publican activamente, pero la gran mayoría de ellos permanecen en la periferia de la vida literaria moderna en Japón.
manga
El doujinshi como manga amateur suele ser creado por principiantes, pero sucede que autores profesionales publican trabajos individuales fuera de sus actividades profesionales. Los grupos de autores de doujinshi en manga suelen denominarse con el término inglés círculo. A menudo, estos círculos están formados por una sola persona.
Las tazas, por supuesto, no sólo se pueden hacer con cómics doujinshi; últimamente, el software doujin (同人ソフト), programas de ordenador, casi siempre juegos, también creados por aficionados y publicados por ellos mismos, ha ido ganando impulso. Recientemente, en Japón, el término "doujinshi" se refiere no solo al manga y al software, sino también a todas las demás creatividades otaku, desde el cosplay hasta el fanart.
Asignaturas
Los géneros y tramas del cómic amateur son muy diversos. Predominan los manga tradicionales, la ciencia ficción, la fantasía, las historias de terror y las historias de detectives, pero también hay historias de la vida de los oficinistas, sagas épicas sobre cómo acompañar a su banda de rock favorita en las giras, meticulosas crónicas autobiográficas sobre la crianza de los hijos e incluso biografías de varias páginas de tus mascotas favoritas.
Sin embargo, la mayoría de las veces, los autores de doujinshi utilizan en sus obras personajes ya existentes de famosas series de anime o videojuegos, dibujando en ellos fan art, a menudo pornográfico. Los autores de este tipo de doujinshi están motivados por el deseo de ampliar el alcance de la obra original, especialmente cuando entre los héroes hay muchas chicas guapas a las que simplemente quieres ver en situaciones picantes.
Sobre esta base surgió el fenómeno moe, que significa un fuerte apego a un tipo específico de personaje, por ejemplo, heroínas con gafas o con orejas y cola de conejo. Puedes conocer a un artista aficionado que se especializa, por ejemplo, en el tema del nekomimi-moe: todos los personajes de su doujinshi lucirán orejas de gato, y los personajes mismos pueden ser tomados de cualquier lugar, incluso de Evangelion, incluso del Fausto de Goethe. A veces, del manga o anime original solo quedan los nombres de los personajes, y todo lo demás (estilo, género, trama y métodos de presentación) cambia a otros diametralmente opuestos.
Fenómeno de masas
Hace tiempo que Doujinshi dejó de ser algo invisible. Si antes se dibujaban a mano y se hacían copias con papel carbón, con la llegada de la tecnología digital a principios de los noventa aparecieron los doujinshi electrónicos, parcial o totalmente dibujados en una computadora utilizando programas gráficos y publicados en disquetes y CD. ROM. La distribución de contenidos a través de Internet ha cobrado relevancia.
Hay muchas tiendas que venden exclusivamente doujinshi. No se trata de tiendas subterráneas: la cadena más grande, Toranoana, tiene 11 tiendas en todo Japón, dos de las cuales están en Akihabara; el principal duplicó su tamaño en agosto de 2005.
Desde finales de los años setenta se empezó a celebrar en Japón la feria de doujin Comiket. Hoy en día se celebra dos veces al año: en agosto y diciembre, en el territorio de Tokyo Big Sight, un enorme y moderno centro de exposiciones en la isla de Odaiba. Al Comiket 69, celebrado en diciembre de 2005, asistieron 160.000 personas el primer día y 190.000 personas el segundo. 23.000 clubes participaron en la feria y presentaron su trabajo al público.
Al convertirse en parte de la cultura, el doujinshi se refleja en las series de anime. Por ejemplo, el "Club de Cultura Japonesa Contemporánea" del anime Genshiken lanzó su propio doujinshishi y participó en el Comiket varias veces. El personaje principal de Doujin Work también es un artista de doujin.
Estilo y características
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El manga es notablemente diferente en estilo gráfico y literario de los cómics occidentales, a pesar de que se desarrolló bajo su influencia. El guión y la disposición de los fotogramas se construyen de forma diferente, en la parte visual el énfasis está en las líneas del dibujo y no en su forma. El diseño puede variar desde fotorrealista hasta grotesco, pero la corriente principal es un estilo que se caracteriza erróneamente por ojos grandes. Por ejemplo, al manga shoujo incluso se le llama “ojos grandes salvarán el mundo” porque las chicas valientes con ojos tan grandes como platillos a menudo tienen poderes sobrenaturales, convirtiéndose en científicas o guerreras samuráis. El primero en dibujar en este estilo fue el ya mencionado Osamu Tezuka, cuyos personajes fueron creados bajo la influencia de personajes de dibujos animados estadounidenses, en particular Betty Boop (niñas con ojos enormes), y tras el gran éxito de Osamu Tezuka, otros autores comenzaron a copiar su estilo.
Orden de lectura tradicional en manga.
El manga se lee de derecha a izquierda, debido a la escritura japonesa, en la que las columnas de jeroglíficos están escritas de esta manera. A menudo (pero no siempre) cuando un manga traducido se publica en el extranjero, las páginas se voltean para que puedan leerse como está acostumbrado un lector occidental: de izquierda a derecha. Se cree que los habitantes de países con escritura de izquierda a derecha perciben naturalmente la composición de los fotogramas en el manga de una manera completamente diferente a la que pretendía el autor. Algunos artistas de manga, en particular Akira Toriyama, se oponen a esta práctica y piden a los editores extranjeros que publiquen su manga en su forma original. Por ello, y también gracias a las numerosas peticiones de los otaku, los editores publican cada vez más manga sin espejo. Por ejemplo, la empresa estadounidense Tokyopop, que en principio no imita el manga, ha hecho de esto su principal baza. Sucede que un manga se publica en ambos formatos a la vez (normal y no reflejado), como fue el caso de “Evangelion” de Viz Media.
Algunos artistas de manga no consideran necesario determinar la trama de una vez por todas y publican varias obras en las que los mismos personajes tienen una relación u otra, a veces se conocen, a veces no. Un ejemplo sorprendente de esto es la serie "Tenchi", en la que hay más de treinta historias que no tienen ninguna relación especial entre sí, pero que cuentan sobre el chico Tenchi y sus amigos.
Manga en otros países
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La influencia del manga en el mercado internacional ha aumentado significativamente en las últimas décadas. El manga está más representado fuera de Japón en EE.UU. y Canadá, Alemania, Francia y Polonia, donde hay varias editoriales que se ocupan del manga y se ha formado una base de lectores bastante grande.
EE.UU
Estados Unidos fue uno de los primeros países donde comenzó a aparecer manga traducido. En las décadas de 1970 y 1980, era prácticamente inaccesible para el lector medio, a diferencia del anime. Sin embargo, hoy en día editoriales bastante grandes publican manga en inglés: Tokyopop, Viz Media, Del Rey, Dark Horse Comics. Una de las primeras obras traducidas al inglés fue Barefoot Gen, que cuenta la historia del bombardeo atómico de Hiroshima. A finales de la década de 1980 se lanzaron Golgo 13 (1986), Lone Wolf and Cub de First Comics (1987), Area 88 y Mai the Psychic Girl (1987) de Viz Media y Eclipse Comics.
En 1986, el empresario y traductor Toren Smith fundó la editorial Studio Proteus, trabajando en colaboración con Viz, Innovation Publishing, Eclipse Comics y Dark Horse Comics. Se ha traducido una gran cantidad de manga a Studio Proteus, incluidos Appleseed y My Goddess! Las series de manga exitosas se asociaron principalmente con series del mismo nombre, por ejemplo, la famosa "Ghost in the Shell", "Sailor Moon", que en 1995-1998. se publicó en más de veintitrés países, incluidos China, Brasil, Australia, Estados Unidos y la mayoría de los países europeos. En 1996 se fundó Tokyopop, la mayor editorial de manga estadounidense en la actualidad.
La estructura del mercado y las preferencias del público en Estados Unidos recuerdan bastante a las de Japón, aunque los volúmenes, por supuesto, todavía no son comparables. Aparecieron sus propias revistas de manga: “Shojo Beat” con una tirada de 38 mil ejemplares, “Shonen Jump USA”. Los artículos sobre esta industria aparecen en las principales publicaciones impresas: New York Times, Time, The Wall Street Journal, Wired.
Los editores de manga estadounidenses son conocidos por su puritanismo: las obras publicadas son censuradas periódicamente.
Europa
El manga llegó a Europa a través de Francia e Italia, donde el anime comenzó a mostrarse en la década de 1970.
En Francia, el mercado del manga está muy desarrollado y es conocido por su versatilidad. Populares en este país incluyen obras de géneros que no han resonado entre los lectores de otros países fuera de Japón, como el drama para adultos, las obras experimentales y de vanguardia. Autores no especialmente conocidos en Occidente, como Jiro Taniguchi, han ganado un gran peso en Francia. Esto se debe en parte a que Francia tiene una fuerte cultura del cómic.
En Alemania, en 2001, por primera vez fuera de Japón, se empezó a publicar manga en formato “guía telefónica” al estilo japonés. Antes de esto, en Occidente, el manga se publicaba en el formato de cómics occidentales: en números mensuales de un capítulo y luego se republicaba en forma de volúmenes separados. La primera revista de este tipo fue Banzai, dirigida a un público juvenil y existió hasta 2006. A principios de 2003, comenzó a publicarse la revista shojo Daisuki. El formato periódico, nuevo para los lectores occidentales, se ha vuelto exitoso y ahora casi todos los editores de manga extranjeros están abandonando los números individuales y cambiando a las "guías telefónicas". En 2006, las ventas de manga en Francia y Alemania ascendieron a 212 millones de dólares.
Rusia
De todos los países europeos, el manga es el peor representado en Rusia. Presumiblemente, esto se debe a la baja popularidad de los cómics en Rusia: generalmente se consideran literatura infantil, mientras que el manga está destinado a un público mayor. Según Lev Elin, director de la compañía Egmont-Russia, en Japón les encantan los cómics con sexo y violencia, pero "en Rusia casi nadie ocupará este nicho". Como cree un crítico de la revista Money, las perspectivas son "simplemente brillantes", "especialmente porque las licencias japonesas son incluso más baratas que las estadounidenses: entre 10 y 20 dólares por página". Sergei Kharlamov, de la editorial Sakura-Press, considera que este nicho es prometedor, pero difícil de comercializar, ya que “en Rusia los cómics se consideran literatura infantil”.
En cuanto a las licencias de traducción, la iniciativa suele venir de editoriales rusas: el primer manga publicado oficialmente en Rusia fue “Ranma ½”, la famosa obra de Rumiko Takahashi. Actualmente, existen varias editoriales legales: Sakura Press (que publicó Ranma ½), Comics Factory, Palma Press y otras. Actualmente, las licencias de las series manga de mayor éxito comercial son propiedad de Comix-ART, creada en 2008. Ese mismo año, Comix-ART, socio de la editorial Eksmo, adquirió los derechos de Death Note, Naruto y Bleach, además de varias otras obras, entre ellas Gravitation y Princess Ai. Los editores rusos, por regla general, publican no solo manga, sino también manhwa, y no hacen distinción entre ellos, llamándolos a ambos manga. En particular, Comix-ART, por motivos comerciales, llama al manga estadounidense “Bizenghast” y “Van-Von Hunter”, y en el sitio web oficial de la editorial “Istari Comics” en la sección “Manga” aparece, por ejemplo. Por ejemplo, el manhua “KET” (Tropa de Asesinato Confidencial en Inglés) del autor taiwanés Fung Yinpang.
Al igual que en todo el mundo, el manga en Rusia se distribuye en forma de traducciones de aficionados: scanlate.
Han aparecido proyectos similares a las revistas de manga en Japón: "Almanaque del manga ruso" de Comics Factory, que publicará manga dibujado en Rusia. En julio de 2008, se publicó la primera gran colección de manga amateur ruso, “Manga Café”.
El manga japonés moderno son cómics para diferentes edades y categorías sociales. El manga en Japón lo leen amas de casa, niños y empresarios influyentes. El primer manga comenzó a salir a la venta después de la Segunda Guerra Mundial, pero el arte de contar historias en imágenes se originó en Japón mucho antes.
Historia del manga japonés
Las primeras similitudes del manga se encontraron en las tumbas de los gobernantes japoneses. La difusión de este fenómeno se vio facilitada por el complejo sistema de escritura de Japón. Como regla general, los niños menores de 12 años no pueden leer periódicos y libros con facilidad y libertad, por lo que las historias con un texto mínimo, acompañadas de ilustraciones coloridas y comprensibles, son muy populares.
Las primeras historias ilustradas sobre la vida animal fueron creadas por un sacerdote toba en el siglo XII. Desde entonces, la difusión de este tipo de cómics no ha hecho más que aumentar.
La palabra "manga" en sí pertenece al famoso artista y artista gráfico Hokusai Katsushika. Lo inventó para referirse a sus grabados, pero la palabra se quedó y empezó a referirse a todos los dibujos similares con historias.
Los cómics estadounidenses se consideran una gran influencia en el manga. En el siglo XX, el gobierno japonés apreció el poder de este tipo de caricaturas. El manga comenzó a utilizarse con fines propagandísticos.
Tezuka Osamu elevó el arte del manga y lo llevó a las masas. Fue con sus obras de posguerra que comenzó la moda por estos cómics.
¿En qué se ha convertido el manga hoy?
Hoy en día, en Japón, el manga se publica en blanco y negro. Está permitido colorear únicamente la portada y aquellas escenas pintadas en las que se planea poner un énfasis especial.
La mayoría de los manga se publican inicialmente en revistas populares. Las historias que más gustan se vuelven a publicar en libros separados: tankobons. Hay mangas voluminosos que se publican inmediatamente en grandes volúmenes, mientras que otros son cuentos. Las revistas manga se dividen en números, como episodios de una serie de televisión, y se publican gradualmente para que el interés por ellos no decaiga..
Un mangaka es una persona que dibuja manga. Escribe un breve texto para ello. A veces, un autor así tiene un asistente. Con menos frecuencia, la gente se reúne en pequeños grupos para crear cómics japoneses. Pero, en su mayor parte, los cómics en Japón son un trabajo solitario, porque nadie quiere compartir regalías.
¿Quién lee manga?
La audiencia de estos cómics es diferente. El manga puede tener connotaciones íntimas y luego los adultos se convertirán en sus lectores. Hay cómics para niños, cómics educativos para adolescentes y manga para las generaciones mayores.
¿Quién se convierte en el héroe del cómic?
Los personajes de manga son gente corriente. Tal historia muestra claramente sus defectos, vida, experiencias, emociones e incidentes divertidos con ellos.
Un personaje de manga puede ser un profesor, un oficinista o un colegial. En esta historia, siempre hay una situación negativa en las imágenes, y el personaje ciertamente aprende de ella la lección correcta. Por tanto, los mangas se consideran muy instructivos.
Los héroes de los cómics japoneses parecen un poco inusuales. Tienen pelo largo y ojos grandes, ropa elegante y hay belleza o entusiasmo en su apariencia.
La temática de cada cómic tiene reglas estrictas. En las habitaciones de los niños es inaceptable mencionar la muerte o enojar demasiado a los personajes negativos. En el manga, incluso los villanos tienen sus propios sueños, aspiraciones y esperanzas.
Además de la rutina, los héroes de los cómics en Japón suelen recibir superpoderes. El tema de un cómic podría ser una historia sobre un samurái o una serie de imágenes sobre un chico sencillo de una gran metrópoli.
A menudo se producen series de televisión y animes basados en tal o cual manga. La popularidad de estos cómics no hace más que aumentar cada año y hace tiempo que ha traspasado las fronteras de Japón. Hay museos en todo el mundo dedicados al manga. A pesar de la ubicuidad de la tecnología, el manga sigue siendo una forma popular de arte japonés.
Manga son cómics japoneses y anime es animación japonesa. Mucha gente dice que los japoneses robaron la idea de los cómics de Occidente, pero los japoneses dibujaron animales y divertidos dibujos animados con tinta, que recuerdan mucho al manga moderno, hace mil años. Estaban destinados a entretener, entretener y educar.
Audiencia manga
A todas las edades, desde niños pequeños y jóvenes sexualmente preocupados hasta mujeres de mediana edad de la edad de Balzac, les gusta el manga para escapar por un tiempo de la vida cotidiana al mundo de las fantasías y los sueños.Autores: a diferencia de los cómics estadounidenses, cada manga es creado por no más de dos autores a la vez. El manga aparece en las tiendas una vez cada una o dos semanas y ya ha sido escrito por otro autor: para que los clientes puedan comprar el próximo número, la trama debe desarrollarse con bastante rapidez e impredecible.
Caracteres
Crecen y se desarrollan. El manga y el anime muestran a los estudiantes en el aula y a los empleados comunes en la oficina viviendo su vida diaria. Los héroes del futuro o del pasado reciente son imperfectos, con hábitos estúpidos y defectos pronunciados. Si los superhéroes estadounidenses siempre se dedican a luchar contra el mal, entonces los personajes japoneses (por ejemplo, en la popular serie manga Doraemon y Ranma) son personas comunes y corrientes que van a la escuela, realizan trabajos rutinarios todos los días y discuten con sus padres. Los poderes psíquicos o los amigos exóticos los hacen especiales. Están estereotipados por tener cabello espeso y suelto y ojos grandes, a pesar de que Matsumoto alguna vez dibujó protagonistas de aspecto terrible con ojos irregulares y aplastados, y los personajes de Miyazaki son fofos. Los hombres y mujeres en el manga no siempre tienen ojos grandes, cabello azul y otras características estereotipadas. Tienen esperanzas y sueños. Sus acciones siempre tienen consecuencias. Si el personaje principal comete un error, sufre y aprende la lección de no volver a hacerlo. El personaje crece, se desarrolla, adquiere nuevas habilidades y mejora las antiguas, madura y adquiere sabiduría (excluyendo cómics como Doraemon). Los personajes negativos cambian y reciben redención. Los desafortunados héroes se encuentran en una crisis interna. Puede que encuentren la felicidad o puede que no. Ellos están vivos.Asignaturas
No como en Estados Unidos. El manga y el anime infantil no permiten fenómenos de la realidad como la muerte. El mal absoluto no existe; Incluso los personajes negativos tienen sueños, esperanzas y motivos para actuar. A pesar de que los cómics estadounidenses evitan o simplifican el contacto con la ciencia y la tecnología, muchos animes y mangas japoneses, por el contrario, luchan por la “tecnificación”. Combinan tecnología, una realidad cruel con el seductor mundo de la fantasía y la ficción. También tienen una especie de optimismo espiritual, en lugar de simplemente decir bien o mal. La vida tiene sentido, aunque a veces hay que luchar por él. El trabajo duro al final da frutos. Surgen dificultades, pero se pueden superar. La fuerza proviene de ayudar a los demás, incluso a veces del autosacrificio. Es a partir de temas tan simples pero completos, entretejidos en una buena trama, que surge la magia del manga y el anime. Como todas las cosas buenas, llegan a su fin. Los héroes y heroínas mueren, se casan y desaparecen. Hay tres finales típicos: el héroe gana (obtiene el trono, el favor del sexo opuesto), el héroe muere (generalmente después de ganar), el héroe parece ganar, pero en realidad termina siendo un gran perdedor. 
Tiene su origen en pergaminos que datan del siglo XII. Sin embargo, todavía se debate si estos pergaminos eran manga o no: los expertos creen que fueron ellos quienes sentaron las bases para la lectura de derecha a izquierda. Otros autores sitúan los orígenes del manga más cerca del siglo XVIII. Manga es un término japonés que significa "cómic" o "animación", literalmente "bocetos caprichosos". Los historiadores y escritores que se ocupan de la historia del manga han descrito dos procesos principales que influyeron en el manga moderno. Sus puntos de vista diferían en términos de tiempo: algunos estudiosos prestaron especial atención a los acontecimientos culturales e históricos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, otros describieron el papel del período anterior a la guerra (el período Meiji y el período anterior a la Restauración) en la cultura y el arte japoneses.
El primer punto de vista enfatiza los acontecimientos ocurridos durante y después de la ocupación de Japón (1945-1952), y señala que el manga estuvo muy influenciado por los bienes culturales de los Estados Unidos: los cómics estadounidenses que fueron traídos a Japón por personal militar. , así como imágenes y temas de la televisión, películas y dibujos animados estadounidenses (en particular los creados por la compañía Walt Disney). Según Sharon Kinsella, la floreciente industria editorial en el Japón de la posguerra ayudó a crear una sociedad orientada al consumo, y gigantes editoriales como Kodansha lograron el éxito.
Antes de la Segunda Guerra Mundial
Muchos escritores, como Takashi Murakami, destacan la importancia de los acontecimientos que siguieron a la Segunda Guerra Mundial, mientras que Murakami cree que la derrota de Japón en la guerra y los posteriores bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki supusieron un duro golpe para la conciencia artística japonesa, que había perdido su antigua confianza en sí mismo y comenzó a buscar consuelo en dibujos lindos e inofensivos llamados kawaii. Al mismo tiempo, Takayumi Tatsumi asigna un papel especial a la transnacionalización económica y cultural, que sentó las bases de la cultura posmoderna e internacional de la animación, la filmografía, la televisión, la música y otras artes populares, y se convirtió en la base para el desarrollo del manga moderno. .
Para Murakami y Tatsumi, la transnacionalización (o globalización) significaba principalmente la transferencia de valores culturales de una nación a otra. En su opinión, este término no significa ni expansión corporativa internacional, ni turismo internacional, ni amistades personales transfronterizas, sino que se utiliza específicamente para denotar el intercambio artístico, estético e intelectual de tradiciones entre varios pueblos. Un ejemplo de transnacionalización cultural es la creación en Estados Unidos de la serie de películas Star Wars, a partir de la cual los artistas de manga japoneses crearon posteriormente manga, que luego se vendió en Estados Unidos. Otro ejemplo es la transición de la cultura hip-hop de Estados Unidos a Japón. Wendy Wong también ve un papel importante de la transnacionalización en la historia moderna del manga.
Otros estudiosos han enfatizado la conexión inextricable entre las tradiciones culturales y estéticas japonesas y la historia del manga. Entre ellos se encontraban el escritor estadounidense Frederick L. Schodt, Kinko Ito y Adam L. Kern. Schodt se refirió a pergaminos del siglo XIII con imágenes como el Choju-jimbutsu-giga, que contaba historias con humor en imágenes. También enfatizó la conexión entre los estilos visuales de ukiyo-e y shunga con el manga moderno. Todavía existe cierto debate sobre si el primer manga fue chōjugiga o shigisan-engi; ambos manuscritos datan del mismo período de tiempo. Isao Takahata, cofundador y director del Estudio Ghibli, afirma que no existe ninguna conexión entre estos pergaminos y el manga moderno. De una forma u otra, fueron estos pergaminos los que sentaron las bases del estilo de lectura de derecha a izquierda utilizado en manga y libros japoneses.
Schodt también concede un papel especialmente importante al teatro kamishibai, cuando artistas itinerantes mostraban dibujos al público en sus representaciones. Torrance notó las similitudes entre el manga moderno y las novelas populares de Osaka del período 1890-1940, y argumentó que la creación de literatura generalizada durante y antes del período Meiji ayudó a crear audiencias dispuestas a aceptar palabras e imágenes simultáneamente. Kinko Ito también señala la conexión del manga con el arte del período anterior a la Restauración, aunque, en su opinión, los acontecimientos de la historia de la posguerra sirvieron como palanca para la formación de la demanda de los consumidores por un manga rico en dibujos, que contribuyó al establecimiento de una nueva tradición de su creación. Ito describe cómo esta tradición influyó en el desarrollo de nuevos géneros y mercados de consumo, como el “manga para niñas” (shojo), que surgió a finales de los años 1960, o los “cómics para mujeres” (josei).
Kern sugirió que los libros ilustrados de kibyoshi del siglo XVIII pueden considerarse los primeros cómics del mundo. Estas historias, al igual que el manga moderno, tratan temas cómicos, satíricos y románticos. Aunque Kern no cree que el kibyoshi haya sido un predecesor directo del manga, la existencia de este género, en su opinión, tuvo una influencia significativa en la relación entre texto y dibujos. El término "manga" se mencionó por primera vez en 1798 y significaba "dibujos caprichosos o improvisados"; Kern enfatiza que la palabra es anterior al entonces más conocido término “Hokusai manga”, que se utilizó durante varias décadas para referirse a las obras de Katsushika Hokusai.
Charles Inouye también ve el manga como una mezcla de palabras y elementos textuales, cada uno de los cuales surgió antes de la ocupación estadounidense de Japón. En su opinión, el arte pictórico japonés estaba indisolublemente ligado al arte gráfico chino, mientras que el desarrollo del arte verbal, en particular la creación de la novela, fue estimulado por las necesidades sociales y económicas de los Meiji y de las poblaciones de preguerra unidas por un objetivo común. Lengua escrita. Inoue trata ambos elementos como simbiosis en el manga.
Por lo tanto, los académicos ven la historia del manga como una conexión con un pasado histórico y cultural que posteriormente fue influenciado significativamente por la innovación y la transnacionalización de la posguerra.
Después de la Segunda Guerra Mundial
El manga moderno comenzó a surgir durante el período de ocupación (1945-1952) y se desarrolló en los años posteriores a la ocupación (1952-principios de la década de 1960), cuando el Japón, anteriormente militarista y nacionalista, comenzó a reconstruir su infraestructura política y económica. Y aunque la política de censura estadounidense prohibía la creación de obras de arte que alabaran la guerra y el militarismo japonés, no se aplicaba a otras publicaciones, incluido el manga. Además, la Constitución japonesa (artículo 21) prohibía cualquier forma de censura. Como resultado, la actividad creativa comenzó a aumentar durante este período. Fue entonces cuando se crearon dos series de manga que tuvieron un impacto significativo en toda la historia futura del manga. El primer manga fue creado por Osamu Tezuka y se llamó Mighty Atom (conocido como Astro Boy en Estados Unidos), el segundo manga fue Sazae-san de Machiko Hasegawa.
Astro Boy es un robot dotado de enormes habilidades, y al mismo tiempo un niño ingenuo. Tezuka nunca habló de por qué su héroe tenía una conciencia social tan desarrollada, ni de qué programa podría hacer que el robot fuera tan humano. Astro Boy tiene conciencia y humanidad, lo que refleja la sociabilidad japonesa y la masculinidad socialmente orientada, muy diferente del deseo de adoración al Emperador y el militarismo inherentes al período del imperialismo japonés. La serie Astro Boy rápidamente ganó gran popularidad en Japón (y lo sigue siendo hasta el día de hoy), Astro Boy se convirtió en un símbolo y héroe del nuevo mundo, luchando por renunciar a la guerra, como también se establece en el artículo 9 de la Constitución japonesa. Aparecen temas similares en las obras de Tezuka Nuevo Mundo y Metrópolis.
El manga Sazae-san comenzó a ser dibujado en 1946 por una joven mangaka, Machiko Hasegawa, quien hacía que su heroína pareciera millones de personas que se quedaron sin hogar después de la guerra. Sazae-san no tiene una vida fácil, pero ella, al igual que Astro Boy, es muy humana y está profundamente involucrada en la vida de su gran familia. También tiene una personalidad muy fuerte, lo cual es lo opuesto al principio tradicional japonés de gentileza y obediencia femenina; Ella se adhiere al principio de “buena esposa, madre sabia” (“ryosai kenbo”, りょうさいけんぼ; 良妻賢母). Sazae-san es alegre y capaz de recuperar fuerzas rápidamente; Hayao Kawai llama a este tipo una "mujer firme". Las ventas del manga de Sazae-san ascendieron a más de 62 millones de copias en la segunda mitad del siglo XX.
Tezuka y Hasegawa se convirtieron en innovadores en términos de estilo de dibujo. La técnica "cinemática" de Tezuka se caracterizó por el hecho de que los fotogramas del manga recordaban en muchos aspectos a los fotogramas de la película: la representación de detalles de acciones rápidas bordea una transición lenta, y las distancias lejanas son rápidamente reemplazadas por primeros planos. Para simular imágenes en movimiento, Tezuka combinó la disposición de los fotogramas para adaptarse a la velocidad de visualización. Al crear manga, como al crear una película, el autor de la obra era considerado la persona que determinaba la distribución mutua de fotogramas, y el dibujo de las imágenes en la mayoría de los casos lo realizaban asistentes. Este estilo de dinámica visual fue adoptado posteriormente por muchos artistas de manga. El enfoque en temas de la vida cotidiana y las experiencias de las mujeres reflejados en el trabajo de Hasegawa se convirtió más tarde en una de las características distintivas del manga shōjo.
Entre 1950 y 1969, el número de lectores creció de manera constante y comenzaron a surgir dos géneros principales de manga: shonen (manga para niños) y shoujo (manga para niñas). Desde 1969, el manga shoujo ha sido dibujado principalmente por hombres adultos para lectoras jóvenes.
Los dos mangas shōjo más populares de la época fueron Ribon no Kishi (La princesa caballero o Caballero de cintas) de Tezuka y Mahōtsukai Sarii (La bruja Sally) de Mitsuteru Yokoyama. Ribon no Kishi cuenta la historia de las aventuras de la Princesa Zafiro, quien desde su nacimiento recibió dos almas (femenina y masculina) y aprendió a empuñar una espada a la perfección. Sally, el personaje principal de Mahōtsukai Sarii, es una princesita que llegó a la Tierra desde el mundo mágico. Va a la escuela y usa magia para hacer buenas obras para sus amigos y compañeros de clase. El manga Mahōtsukai Sarii se inspiró en la comedia estadounidense Bewitched, pero a diferencia de Samantha, la protagonista de Bewitched en la edad adulta, Sally es una adolescente común y corriente que está creciendo y aprendiendo a asumir las responsabilidades que conlleva acercarse a la edad adulta. Gracias a Mahōtsukai Sarii, se creó un subgénero ("chica mágica"), que posteriormente ganó popularidad.
En una novela de educación, el protagonista suele experimentar infelicidad y conflicto en su desarrollo; Un fenómeno similar ocurre en el manga shoujo. Por ejemplo, el manga Peach Girl de Miwa Ueda, Mars de Fuyumi Soryo. Ejemplos de obras más maduras: Happy Mania de Moyoko Anno, Tramps Like Us de Yayoi Ogawa y Nana de Ai Yazawa. En algunas obras de shoujo, una joven heroína se encuentra en un mundo extraño, donde conoce a otros e intenta sobrevivir (Eran once de Hagio Moto, Desde muy lejos de Kyoko Hikawa y El mundo existe para mí de Chiho Saito).
También en las tramas del manga shojo hay situaciones en las que el protagonista se encuentra con personas y fenómenos inusuales o extraños, como en el manga Fruits Basket de Takai Natsuki, que ganó popularidad en los Estados Unidos. El personaje principal, Tohru, sigue viviendo en una casa en el bosque con personas que se convierten en animales del zodíaco chino. En el manga Crescent Moon, la heroína Mahiru se encuentra con un grupo de seres sobrenaturales y finalmente descubre que ella también tiene superpoderes.
Con la llegada de las historias de superheroínas al manga shoujo, las normas tradicionales sobre la sumisión femenina comenzaron a desmoronarse. El manga Sailor Moon de Naoko Takeuchi es una larga historia sobre un grupo de chicas jóvenes que son a la vez heroicas e introspectivas, enérgicas y emocionales, sumisas y ambiciosas. Esta combinación resultó extremadamente exitosa y la serie de manga y anime ganó popularidad internacional. Otro ejemplo de una historia sobre superheroínas es el grupo de manga CLAMP Magic Knight Rayearth, cuyas heroínas principales se encuentran en el mundo de Cephiro y se convierten en guerreros mágicos que salvan a Cephiro de enemigos internos y externos.
En las obras sobre superheroínas, el concepto de sentai es bastante común, utilizado para referirse a un equipo de chicas, por ejemplo, las Sailor Warriors de Sailor Moon, las Magic Knights de Magic Knight Rayearth y el equipo Mew Mew de Tokyo Mew Mew. Hoy en día, el tema de la superheroína es ampliamente utilizado y objeto de parodias (Wedding Peach e Hyper Rune); El género (Galaxy Angel) también es común.
A mediados de la década de 1980 y más allá, comenzó a surgir un subgénero del manga shōjo dirigido a mujeres jóvenes. Este subgénero de los "cómics femeninos" ("josei" o "radisu") trataba temas de la juventud: trabajo, emociones, problemas de las relaciones sexuales, amistades (y a veces amor) entre mujeres.
El manga Josei conservó el estilo básico utilizado anteriormente en el manga shojo, pero ahora la historia estaba destinada a mujeres adultas. Las relaciones sexuales a menudo se describían abiertamente como parte de una narrativa compleja en la que el placer sexual se combinaba con la experiencia emocional. Los ejemplos incluyen Luminous Girls de Ryo Ramii, Kinpeibai de Masako Watanabe y el trabajo de Shungisu Uchida. También en el manga josei pueden existir relaciones sexuales entre mujeres (), como se refleja en las obras de Erika Sakurazawa, Ebine Yamaji y Chiho Saito. También hay otros temas, como manga de moda (Paradise Kiss), manga de vampiros góticos (Vampire Knight, Cain Saga y DOLL), así como varias combinaciones de moda callejera y música J-Pop.
shonen y seijin
Los niños y los jóvenes se encontraban entre los primeros lectores que se formaron después de la Segunda Guerra Mundial. Desde la década de 1950, el manga shonen se ha centrado en temas que atraen al niño promedio: ciencia ficción (robots y viajes espaciales) y aventuras heroicas. Las historias a menudo representan pruebas de las habilidades y destrezas del protagonista, la superación personal, el autocontrol, el sacrificio por el deber, el servicio honesto a la sociedad, la familia y los amigos.
El manga de superhéroes como Superman, Batman y Spider-Man no se ha vuelto tan popular como el género shonen. La excepción fue la obra Batman: Child of Dreams de Kiya Asamiya, publicada en Estados Unidos por DC Comics y en Japón por Kodansha. Sin embargo, los héroes solitarios aparecen en las obras de Golgo 13 y Lone Wolf and Cub. En Golgo 13, el personaje principal es un asesino dedicado a servir a la paz mundial y otras causas sociales. Ogami Itto, el espadachín de Lone Wolf and Cub, es un viudo que cría a su hijo Daigoro y desea vengarse de los asesinos de su esposa. Los héroes de ambos mangas son gente corriente que no tiene superpoderes. Ambas historias hacen un “viaje a los corazones y las mentes de los personajes”, revelando su psicología y motivaciones.
Muchas obras de manga shonen tratan temas de ciencia ficción y tecnología. Los primeros ejemplos de manga de robots incluyen Astro Boy y Doraemon, un manga sobre un gato robot y su dueño. El tema de los robots ha evolucionado ampliamente, desde Tetsujin 28-go de Mitsuteru Yokoyama hasta historias más complejas en las que el protagonista no sólo debe destruir enemigos, sino también superarse a sí mismo y aprender a controlar e interactuar con su robot. Así, en Neon Genesis Evangelion, el personaje principal Shinji se opone no solo a sus enemigos, sino también a su propio padre, y en Vision of Escaflowne Van, que libra una guerra contra el Imperio Dornkirk, tiene que enfrentar sentimientos encontrados hacia Hitomi.
Otro tema popular en el manga shonen es. Estas historias enfatizan la autodisciplina; El manga a menudo representa no sólo competiciones deportivas apasionantes, sino también las cualidades personales que el protagonista necesita para superar su límite y alcanzar el éxito. El tema de los deportes se aborda en Tomorrow's Joe, One-Pound Gospel y Slam Dunk.
Las historias de aventuras tanto en el manga shonen como en el shoujo suelen presentar escenarios sobrenaturales donde el protagonista enfrenta desafíos. De vez en cuando falla, por ejemplo en Death Note el personaje principal Light Yagami recibe un libro de Shinigami que mata a cualquiera cuyo nombre esté escrito en él. Otro ejemplo es el manga The Demon Ororon, en el que el personaje principal renuncia al gobierno del infierno para vivir en la tierra como un simple mortal. A veces, el propio personaje principal tiene superpoderes o pelea con personajes que los tienen: Hellsing, Fullmetal Alchemist, Flame of Recca y Bleach.
Las historias sobre la guerra en el mundo moderno (o la Segunda Guerra Mundial) siguen siendo sospechosas de glorificar la historia del Imperio japonés y no han encontrado su camino en el manga shonen. Sin embargo, las historias sobre fantasía o guerras históricas no fueron prohibidas, y el manga sobre guerreros heroicos y artistas marciales se hizo muy popular. Además, en algunas de estas obras hay una trama dramática, por ejemplo en La leyenda de Kamui y Rurouni Kenshin; y otros tienen elementos humorísticos, como Dragon Ball.
Aunque existen historias de guerra modernas, tienden a abordar más las cuestiones psicológicas y morales de la guerra. Tales historias incluyen Who Fighter (una versión de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad sobre un coronel japonés que traiciona a su país), The Silent Service (sobre un submarino nuclear japonés) y Apocalypse Meow (sobre la guerra de Vietnam, contada desde el punto de vista de un animal). Otros manga de acción suelen presentar tramas sobre organizaciones criminales o de espionaje a las que se opone el personaje principal: City Hunter, Fist of the North Star, From Eroica with Love (que combina aventura, acción y humor).
Según los críticos de manga Koji Aihara y Kentaro Takekuma, estas historias de batallas repiten sin cesar el mismo tema de crueldad sin sentido, al que sarcásticamente etiquetan como "Shonen Manga Plot Shish Kebob". Otros expertos sugieren que la representación de batallas y crueldad en los cómics sirve como una especie de "salida para las emociones negativas". Las historias de guerra son objeto de parodias, una de las cuales es la comedia Sgt. Frog trata sobre un escuadrón de ranas extraterrestres que invaden la Tierra y terminan estableciendo su residencia con la familia de Hinata.
El papel de la mujer en el manga para hombres.
En los primeros manga shonen, los roles principales pertenecían a niños y hombres, mientras que a las mujeres se les asignaba principalmente los roles de hermanas, madres y novias. En el manga Cyborg 009, sólo hay una chica cyborg. Los mangas más recientes prácticamente no presentan mujeres, incluidos Baki the Grappler de Keisuke Itagaki y Sand Land de Akira Toriyama. Sin embargo, a partir de la década de 1980, las mujeres comenzaron a desempeñar papeles más importantes en el manga shonen, como en Dr. Slump, cuyo personaje principal es un robot poderoso pero al mismo tiempo travieso.
Posteriormente, el papel de la mujer en el manga para hombres cambió significativamente. Se empezó a utilizar el estilo Bishōjo. En la mayoría de los casos, la mujer es objeto del cariño emocional del protagonista, como Verdandi de Oh My Goddess! y Shao-lin de Guardian Angel Getten. En otras historias, el protagonista está rodeado de varias mujeres: Negima!: Magister Negi Magi y Hanaukyo Maid Team. El personaje principal no siempre logra entablar una relación romántica con la chica (Shadow Lady), en los casos contrarios puede mostrarse (o insinuarse) la actividad sexual de la pareja, como en Outlanders. Inicialmente ingenuo e inmaduro, el héroe madura y aprende a relacionarse con mujeres: Yota de Video Girl Ai, Makoto de Futari Ecchi. En el manga seijin, las relaciones sexuales se dan por sentado y se representan abiertamente, como en las obras de Toshiki Yui o Were-Slut and Slut Girl.
Las guerreras fuertemente armadas ("sento bishojo") son otra clase de mujeres que se encuentran en el manga para hombres. A veces los sento bishoujo son cyborgs, como Alita de Battle Angel Alita, Motoko Kusanagi de Ghost in the Shell o Chise de Saikano; otros son gente común: Attim de Seraphic Feather, Kalura de Drakuun y Falis de Murder Princess.
A principios de la década de 1990, debido a la flexibilización de la censura en Japón, los temas sexuales explícitos se generalizaron en el manga y no fueron censurados en las traducciones al inglés. El espectro abarcaba desde la representación parcial de la desnudez hasta la exhibición abierta de actos sexuales, que a veces representaban esclavitud sexual y sadomasoquismo, bestialidad, incesto y violación. En algunos casos, los temas de violación y asesinato pasaron a primer plano, como en Urotsukikoji y Blue Catalyst. Sin embargo, en la mayoría de los casos estos temas no son los principales.
Gekiga
La palabra "gekiga" (japonés 劇画, ruso "imágenes dramáticas") se utiliza para referirse a imágenes realistas en el manga. Las imágenes de Gekigi están dibujadas en tonos emocionalmente oscuros, son muy realistas, a veces representan violencia y se centran en la realidad cotidiana, a menudo representada de forma anodina. El término se originó a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta debido a la insatisfacción estética de artistas jóvenes como Yoshihiro Tatsumi. Ejemplos del género gekiga incluyen Crónicas de los logros militares de un ninja y Satsuma Gishiden.
A medida que las protestas sociales de esos años comenzaron a decaer, gekiga comenzó a usarse para referirse a dramas para adultos y obras de vanguardia con orientación social. Ejemplos de trabajo: Lone Wolf and Cub y Akira. En 1976, Osamu Tezuka creó el manga MW, una historia seria sobre las consecuencias del almacenamiento de gas venenoso en una base militar estadounidense en Okinawa después de la Segunda Guerra Mundial. El estilo gekiga y la conciencia social también se reflejan en el manga moderno, como Ikebukuro West Gate Park (una historia sobre crímenes callejeros, violaciones y violencia).
Actualmente, los movimientos artísticos japoneses están ganando cada vez más popularidad. Una persona que quiera aprender algo nuevo sobre la cultura del País del Sol Naciente puede tener dudas sobre el significado de la palabra “manga”.
Todos los habitantes de Japón, jóvenes y mayores, saben qué es el manga, pero en Rusia esta tendencia sólo está ganando impulso. En Japón, esta palabra se refiere a un tipo especial de cómic. Sólo que la esencia de la información y su presentación en ellos no es la misma que en los americanos a los que estamos acostumbrados. Caricaturas en los periódicos, imágenes divertidas, grotescos: todo esto es manga.
Historia de la apariencia
En Japón, los cómics, conocidos como manga desde 1814, existen desde hace mucho tiempo. Los primeros antepasados del estilo moderno son bocetos de monjes japoneses que datan del siglo XII. Estas imágenes eran caricaturizadas y satíricas y representaban a infractores de las normas del monasterio. También hay imágenes de la vida animal de este estilo, realizadas por los budistas Toba, que también datan del siglo XII. El término "manga" fue acuñado por el artista japonés Katsushika Hokusai a principios del siglo XIX. Usó esta palabra para designar sus dibujos animados y, cuando se traduce al ruso, “manga” significa “imagen (ga) descuidada de (hombre)”.
El manga adquirió la forma que conocemos hoy después de la Segunda Guerra Mundial. Una gran contribución al desarrollo del cómic japonés fue Tezuka Osamu, quien, con la ayuda de sus alumnos, llevó este tipo de arte a la cultura de masas. Los creadores de cómics (artistas de manga) suelen trabajar sin socios y no sólo dibujan manga, sino que también escriben textos para él. Aunque en algunos casos hasta 4 personas trabajan en la creación de la siguiente obra. Saben mejor que nadie cómo leer manga correctamente.
Actualmente, el manga se distingue entre japonés, chino (manhua) y coreano (manhwa). El sonido del término en estos idiomas es algo diferente, pero el jeroglífico es el mismo. Además, no sólo se está generalizando el manga profesional, sino también su versión amateur: el doujinshi. Muy a menudo, los creadores de cómics famosos comenzaron como aficionados.
Distribución en Japón
En Japón, los cómics en este formato son tan queridos que anualmente se publican más de mil millones de copias de colecciones de diversos temas y formatos. Son tan populares que se publican más de veinticinco colecciones por familia y unos diez números al año por persona. Pero ni siquiera estas cifras pueden reflejar la magnitud de esta afición. A menudo sucede que el último número de una revista, después de leerlo, queda en el asiento de un vagón del metro o en la mesa de un café. Inmediatamente encuentra un nuevo dueño.
La mayoría de las veces, el manga se publica en forma de libros, que en términos de número de páginas pueden competir incluso con los libros de referencia. Por lo general, en estos libros se publican hasta veinte historias y su trama continúa durante varios números. Los cómics japoneses también se pueden encontrar en forma de revistas coloridas. Las historias más demandadas suelen repetirse en una edición especializada en forma de libros gruesos que contienen diferentes episodios de una misma historia. Los más populares se convierten en la base del anime en serie (dibujos animados japoneses).
La cultura del cómic japonés en el País del Sol Naciente es elevada, son leídos por toda la población del país, independientemente de su edad, estatus y sexo. El surtido en las estanterías de las tiendas o quioscos especializados llega a cientos de artículos. La pasión por esta tendencia ha llegado al punto de vender revistas las 24 horas en máquinas expendedoras.
¿Quién lee manga?
Manga... Probablemente no sea necesario explicar qué son los cómics. Pero las historias de dibujos animados japoneses no son sólo una colección de historias con imágenes de dibujos animados. El ex Primer Ministro del país calificó este tipo de publicaciones periódicas como una de las formas de sacar al país de la crisis económica y mejorar su imagen en el escenario mundial. ¿Qué es tan interesante que los fanáticos ven en ella? Una de las características de este género es la dirección del estilo hacia un público objetivo específico. Por ejemplo, existen cómics manga para niños o niñas. Los adultos, hombres y mujeres de orígenes sociales muy diferentes, también pueden satisfacer sus intereses. Y, por supuesto, los editores prestan especial atención a los niños. La mayoría de los cómics están dirigidos al público infantil. Pero incluso en esta categoría hay gradaciones: el manga se divide en cómics para niños y cómics para niñas.
Además, el manga se divide en géneros. Las publicaciones especializadas satisfacen las necesidades del lector en ciencia ficción, aventuras, juegos de azar y pornografía, historias sobre la vida y hazañas de los superhéroes, etc. Es muy difícil compilar una lista completa de géneros especializados y la clasificación por categorías de edad también es bastante arbitraria. . Es común ver a un adulto hojeando un manga infantil. Pero también ocurre al revés: una revista completamente científica de este estilo puede acabar en manos de un escolar.
El manga, cuyas aventuras llevan al lector a un mundo de fantasía, te permite deleitarte con la libertad. El sistema educativo japonés excluye el librepensamiento y prepara a todos según el mismo modelo. Como resultado, los jóvenes sólo dan rienda suelta a sus aspiraciones e individualidad en el manga.
La generación adulta se relaja hojeando la siguiente revista, cuyos temas a menudo abordan todas las cuestiones urgentes y permiten filosofar sobre temas inesperados. Por lo tanto, el manga para adultos no es solo un pasatiempo interesante, sino un mundo de deseos ocultos en el que querrás sumergirte una y otra vez. Cómo una droga.
Características distintivas
Una característica distintiva de las revistas manga es su volumen (hasta mil páginas). Pero esta circunstancia no afecta la velocidad de lectura del material: un lector suele dedicar aproximadamente media hora a una revista de grosor medio (unas trescientas cincuenta páginas). El japonés medio sabe leer manga correctamente y domina el material de una página en unos 4 segundos. Los cómics están preparados de tal manera que la información que contienen se absorbe literalmente de un vistazo. Y ésta es su principal diferencia con sus homólogos europeos o americanos, que están sobrecargados de un componente textual.
El estilo del minimalismo japonés, familiar desde la infancia, también es inherente a estas historias. Por tanto, la mayoría de los japoneses saben cómo crear manga. Los guiones gráficos, la edición y el simbolismo se utilizan en todo su potencial en los cómics. En lugar de una explicación extensa, el manga contiene pistas y misterio. Una ceja levantada, un gesto con la mano, una mirada dirigida le dirán a un japonés más que las explicaciones más detalladas usando texto. El momento y el lugar de la acción se indican mediante una o dos pistas en el fondo: la rama de un árbol, el sol en su cenit y las emociones del momento se transmiten mediante una sonrisa, una lágrima en la mejilla o una mirada de enojo. Estas formas de expresar acciones y emociones permiten no leer atentamente el texto de cada imagen, sino percibir la imagen como un todo, sin apenas mirarla.
Dibujo en el género de los cómics japoneses.
Las imágenes de los cómics japoneses se distinguen por su naturaleza monocromática. Básicamente, sólo la portada de un libro o revista se diseña en color, mientras que el cómic en sí se presenta en formato blanco y negro. En ocasiones, para resaltar puntos especialmente importantes, los artistas de manga decoran ilustraciones individuales con color.
Antes de dibujar manga, un fanático de este género necesitará conocer las características distintivas de este estilo particular de dibujo. Los dibujos se leen de derecha a izquierda, claramente narrados, y el discurso está escrito de la misma manera que en los cómics estadounidenses: "en las nubes".
Los personajes de los cómics japoneses transmiten su estado emocional con una precisión sorprendente. Para hacer esto, los creadores de manga utilizan un método patentado: un dibujo especial de varias partes de la cara. La arruga entrecruzada dibujada en la frente del personaje transmite con precisión enojo, la ceja levantada transmite con precisión sorpresa y la boca de forma cuadrada transmite claramente rabia.
Las peculiares "máscaras" de los héroes transmiten al lector hostilidad y admiración, envidia, sorpresa y alegría. Para cualquier emoción humana, los artistas de estos cómics tienen la manera exacta de transmitirla. Y es precisamente por esto que lo principal a la hora de crear manga es el sorprendente dibujo de los rasgos faciales de los personajes.
La influencia del manga: resultados de la investigación.
La transmisión de información importante mediante el dibujo ya está genéticamente arraigada en la nación japonesa. Incluso escribir en este país está más cerca de las bellas artes. Con el desarrollo de la televisión en Japón, se fortalece la comprensión de la superioridad del método visual de transmisión de información sobre el textual.
Los investigadores de la influencia del manga, así como profesores y psicólogos, señalan que los niños que crecieron con estos cómics comprenden más fácilmente la esencia del problema y encuentran formas de resolverlo. Este es el resultado de aplicar una lógica informal al leer este tipo de publicaciones periódicas. Otro logro de los jóvenes japoneses se atribuye a su pasión por los cómics: los científicos creen que es gracias a esto que los jóvenes pueden dominar fácilmente la programación y otros trabajos con tecnología informática a nivel profesional. Surge una pregunta lógica: "Manga: ¿qué es: imágenes simples y divertidas o una forma de educación del futuro?"
Ciencia en estilo manga
Los cómics japoneses, su popularidad y la eficacia de la asimilación de información visual han atraído tanto la atención de los científicos que recientemente ha cobrado impulso la publicación de literatura científica seria y libros de texto en este estilo.
Gracias a una serie de experimentos se pudo demostrar que después de leer un curso de teoría económica presentado en estilo manga, la memorización y el dominio de conceptos económicos complejos se producen a nivel inconsciente. Descubrir temas económicos en historias de aventuras requiere un tiempo mínimo de lectura (2-3 horas), pero el resultado es sorprendente. Como resultado, los estudiantes operan con calma los términos y conocen los principios de funcionamiento de los mecanismos del mercado.
Varias grandes empresas adoptan este estilo y lo utilizan al crear instrucciones, documentos de trabajo y catálogos. Por ejemplo, la empresa Taisei preparó instrucciones para los trabajadores en forma de revista de historietas. Explica detalladamente las nuevas tecnologías utilizadas en la construcción de edificios de gran altura.
Manga por género
Dado que en Japón el manga se equipara al género de las bellas artes y la literatura al mismo tiempo, la variedad de este tipo de obras es sorprendente. Aparecen en una variedad de versiones: romance y terror, fantasía y erótica, negocios y deportes. Historia, aventuras, romance: ¡no se pueden enumerar todas las direcciones y géneros!
El manga por género, como cualquier otra forma de arte, se divide en los más populares y los que tienen demanda solo entre un público objetivo específico. Las historias más leídas incluyen aquellas que abordan las relaciones de género, las artes marciales, la vida cotidiana y el romance.
Kodomo es un género creado específicamente para niños. Este es un manga para niños. ¿Qué es el Kodomo? ¿Cuáles son sus características distintivas? En primer lugar, estos cómics se distinguen por la simplicidad de la trama (a veces la idea y su desarrollo están completamente ausentes). El dibujo de los personajes está muy simplificado y se asemeja al estilo de ejecución americano. No hay ninguna escena de crueldad y el manga en sí suele ser entretenido. Los artistas de manga sólo enseñan a los niños a percibir sus creaciones.
Shonen está destinado a niños de entre doce y dieciocho años. Todo mangaka sabe cómo dibujar manga para esta audiencia. Dinamismo, rapidez en el desarrollo de la trama, más aventuras y, por supuesto, romance. Los temas de rivalidad en los deportes, la vida y el amor son muy comunes en este género, y las chicas se dibujan como exageradamente hermosas. Todas estas son cosas que podrían interesarle a un adolescente.
Pero el manga más popular en Japón es el género shoujo. Está diseñado para el público objetivo más lector: chicas jóvenes de entre 12 y 18 años. La peculiaridad de este género es que el personaje central de la trama es una niña o una niña. Se abordan las cuestiones de su autodeterminación en el mundo que la rodea y el proceso de formación de la heroína como persona. Y, por supuesto, no está completo sin aventuras románticas.
Aquí se manifiestan plenamente las convenciones de representación típicas del manga y los personajes son muy enérgicos, hermosos y llenos de entusiasmo en sus relaciones con el mundo que los rodea. Gracias a esto, el manga para niñas se está ganando firmemente los corazones de las generaciones más jóvenes.
Cómics especiales para adultos.
La población adulta de Japón se está convirtiendo en un público objetivo distinto para los creadores de cómics. Estas obras contienen todas las revelaciones de la vida moderna, no sólo el romance, sino también la crueldad y la violencia.
Además, el manga para adultos se distingue por su contenido, que contiene escenas no solo de carácter erótico, sino también de carácter más explícito. También hay géneros específicos como yuri, shonen-ai y yaoi, que hablan de relaciones entre personas del mismo sexo.
Pero también hay un estilo separado para el público femenino: josei. Se caracteriza por el desarrollo de la trama desde la escuela hasta la vejez. Es decir, toda la vida de un individuo está recogida en el manga. Las historias creadas para mujeres de mediana edad son muy realistas y ordinarias y, por lo tanto, tienen una gran demanda.
Manga en Rusia
En Rusia, los cómics manga son un fenómeno bastante nuevo. El interés por este tipo de arte del País del Sol Naciente apenas está despertando. Casi todas las historias al estilo de los cómics japoneses que se pueden encontrar y leer en el territorio de nuestro estado son traducciones de fanáticos y aficionados. Invirtiendo su propio tiempo y dinero, adaptan revistas populares en Japón y las distribuyen a través de Internet. Como resultado, cualquiera que quiera tocar el mundo del Japón moderno puede hacerlo de forma gratuita.
En Rusia sólo hay dos editoriales que producen oficialmente revistas manga. Se trata de Comic Book Factory y Sakura Press. También puede encontrar publicaciones periódicas de este estilo de varias editoriales ilegales. Por lo tanto, es poco probable que simplemente ir a una librería y comprar el último número de un manga cuyas aventuras quieras leer funcione. Una de las primeras publicaciones publicadas en la Federación de Rusia fue la obra de Rumiko Takahashi “Ranma ½”.
